Parce que ce mélodrame situé au Brésil confirme l’actrice portugaise Maria de Medeiros comme une cinéaste engagée.

Parce que ce premier film nous convie au coeur d’un récit intime, où la chronique familiale rencontre le spirituel.

Parce que Cria Cuervos, c’est le monde de l’enfance vu à travers le regard d’une petite fille de sept ans.

Parce que le réalisateur d’Eva en Août parvient à montrer la beauté des moments anodins

Cuba, avec ses rues ensoleillées, colorées et animées, a tout d'une île aux décors paradisiaques mais Raúl étouffe dans cette société en proie au désespoir et rêve de commencer une nouvelle vie à Miami. Lorsqu´il est accusé d´avoir agressé un touriste, il n´a plus le choix et doit quitter La Havane. Il supplie Elio, son meilleur ami, de tout abandonner pour l´aider à atteindre les rivages du monde interdit, situés à 140 kilomètres de l´autre côté de l´océan. Mais Elio est partagé entre le désir de protéger sa soeur jumelle et celui de s´enfuir...

Parce que Jónas Trueba joue merveilleusement bien de sa caméra à la lisière du documentaire et de la fiction.

Parce qu’entre film d’aventure et drame humanitaire, le film choisit de ne pas choisir son camp, éclairant par la fiction une réalité tragique appelée à se répéter.

Parce que ce film sur la rébellion adolescente révéla Clara Roquet en tant que réalisatrice.

Parce qu'Icíar Bollaín a commencé sa carrière comme actrice chez Ken Loach, une influence qui se retrouve dans son engagement et sa façon d'aborder des sujets d'actualité.

Parce que la ville de Madrid en plein été, offre un merveilleux décor dépaysant à cette histoire d'amour.

Parce que ce film féminisme autour de l'avortement est inspiré de faits réels datant des années 1970, tout en étant plus que jamais d'actualité.

Gonzalo pense qu’un obstacle entrave son aspiration à réinventer sa vie : on ne lui a jamais demandé son consentement pour être baptisé !

Un film d’animation chatoyant et bouleversant, relatant l’histoire d’amour orageuse d’un pianiste et d’une chanteuse cubaine, pris dans les filets de leur passion et de la grande Histoire.

La rencontre improbable et romantique de deux solitudes, celle de Stefan, ouvrier roumain, et de Shuxiu, une chercheuse en botanique, au fil d’une errance éthérée à travers les marges de Bruxelles, entre friches et zones industrielles.

Quatre rockers enterrent le chanteur de leur groupe. Par amitié, ils décident de partir en tournée à Los Angeles avec ses cendres.

On y découvre un autre visage de Bouli Lanners.

Parce que le film révélait à l'étranger à la fois le cinéma flamand et Matthias Schoenaerts

Parce que pour son troisième film, Joachim Trier plantait sa caméra aux Etats Unis.

Parce que le film (norvégien) s'inspire du Feu Follet de Drieu La Rochelle

Parce que le bateau utilisé pour tourné le film avait déjà été attaqué par des pirates

Le réalisateur de Drunk et Festen livre ici l’un de ses films le plus expérimental et personnel. En suivant des quadragénaires à la recherche d’autres modes de vie, il capte, sur le vif, des performances d’acteurs incroyables.

Parce que c'est l'un des plus beaux rôles de Mads Mikkelsen, définitivement l'un des plus grands acteurs contemporains.

Parce que les vrais mythes, donc celui ci, acceptent toutes les modernisations

Trois courts-métrages dans l’esprit de Noël, qui allient la tendresse et le merveilleux. La variété des techniques d’animation (images de synthèse, poupées animées et dessin animé traditionnel) fait de ce programme un concentré de créativité et de poésie.

Porté par Stefano Accorsi mais surtout la jeune (22 ans) Ginevra Francesconi, ce long-métrage dérangeant décortique le parcours d’une adolescente ayant commis l’impensable.

Parce qu’Anke Blondé mise sur l’humour et le comique de situation pour dépeindre l’étouffant quotidien d’une femme européenne au 21ème siècle.

Parce que c'est un film italien au féminin sur une brève rencontre d'amitié entre deux blessées de la vie.

Adaptation cinématographique d’un chef d’oeuvre du théâtre contemporain italien par sa propre autrice et metteur en scène, Emma Dante. Un hommage vibrant à la féminité dans une société patriarcale.

Comment faire le deuil quand votre corps refuse d'oublier ?

Parce que dans cette histoire de désir qui brise un quotidien monotone, c’est avant tout un rêve d’ailleurs qui se raconte.

Entre rancoeurs et redécouverte, Les éclats et ses retrouvailles forcées d'un couple séparé de longue date font l'émouvant bilan d'une relation conjugale.

1940, Angleterre. Deux sœurs isolées inventent LOLA, une machine captant les ondes du futur. Un pitch ultra malin.

Parce que ce beau film musical raconte l’histoire d’un rockeur sur le retour en se plaçant à mi-chemin entre fiction et documentaire.

Un garde-chasse solitaire sombre dans une quête de vengeance. Nommé pour le Satellite Award du meilleur film en langue étrangère.

Parce qu'il n'y avait que le cinéma hongrois pour avoir l'audace de filmer ainsi le bodybuilding féminin.

Parce que c’est une oeuvre étouffante sur l’amour maternel poussé à l’extrême, avec un Prix d’interprétation féminine à la Mostra de Venise bien mérité.

Après la mort de sa mère, Jon doit transporter son corps dans sa vieille voiture. Une quête absurde et libératrice.

Parce que c'est une histoire vraie extraordinaire de courage et d'humanité pendant la Seconde Guerre mondiale.

Parce que ce film explore subtilement les mécanismes du déracinement et des discriminations expérimentés par la communauté chinoise en Espagne.

Été 2003, Berlin-Neukölln. Quatre amis, prisonniers de la cité, traînent entre ennui et petites combines.

Danny Boyle transforme le film de braquage en un thriller labyrinthique imprévisible. Le réalisateur limite ses effets de mise en scène et laisse ainsi la part belle à son trio d’acteurs au charisme hypnotique.

Parce que c'est un mélange de romance, d'onirisme et de dénonciation politique inédit.

Pour son premier long-métrage, Jonathan Glazer livre un film de gangsters que n’aurait pas renié son compatriote Danny Boyle. La mise en scène, rythmée de séquences hallucinées, fait la part belle à des personnages attachants de truands usés.

Avec Que Dios nos perdone, Rodrigo Sorogoyen relate la traque d’un tueur en série pas tout à fait comme les autres. Une œuvre radicale, qui fait exploser l’immense talent du réalisateur sur la scène internationale.

En retraçant les débuts, dans le Oslo des années 1990, de Mayhem, groupe de black metal norvégien controversé, ce biopic réalisé par le batteur originel d’une autre formation fait le pari de la fidélité historique et du souci du détail.

Dans une ville contrôlée par les gangs, la guerre gronde. Un homme, Aaron, tente désespérément de briser le cycle de la violence.

Parce que ce polar poisseux dépeint un univers violent, où la rédemption n’existe pas

Présent dans toutes les scènes, Antonio de la Torre porte EL REINO sur les épaules. Le réalisateur Rodrigo Sorogoyen lui colle aux basques et transforme son pamphlet politique en véritable thriller immersif. Tout simplement un néo-classique.

Matteo Garrone, l’auteur de Gomorra, revient à la tragédie criminelle avec ce portrait d’un personnage atypique qui, derrière son allure de freluquet et son regard candide, cache des ressources insoupçonnées.

L’irrévérencieux Stephen Frears nous plonge dans l’intimité de Buckingham Palace, nous révélant avec précision les arcanes d’une monarchie assiégée par la modernité : une tour d’ivoire où Helen Mirren domine en reine Elisabeth II digne et fragile.

Digne héritière de Ken Loach, Charlotte Regan raconte sans misérabilisme la rencontre inattendue entre un père et sa fille. L’imagination de la petite Georgie contamine la mise en scène et place, avec délicatesse, le film entre drame et comédie.

Stephen Frears trouve l’équilibre entre le road movie et la charge anticléricale. Émouvants et drôles, Judi Dench et Steve Coogan forment un duo attachant, aussi bien dans la quête de la vérité que dans leurs débats nuancés sur la justice et la foi.

Seule incursion de Danny Boyle dans le film familial, Millions est bouillonnant d’énergie. Le cinéaste est fidèle à son style dynamique et inventif. Il affiche son goût pour la fable morale, qu’il développera plus tard dans Slumdog millionnaire.

Morgan Matthews transpose son regard de documentariste dans une fiction lumineuse sur l'autisme. Ce récit d'apprentissage évite les clichés grâce à une mise en scène sensorielle, capturant avec brio la poésie des mathématiques.

Refusant toute angélisme, le biopic d'un artiste lourdement handicapé reste la double révélation d'un cinéaste, Jim Sheridan, et d'un acteur exceptionnel, Daniel Day-Lewis.

Modèle absolu de la rom-com britannique, le film de Mike Newell brille par son écriture ciselée et son flegme irrésistible. Hugh Grant s’y révèle comme le summum du charme so british, quand le sourire d’Andie McDowell fait fondre les cœurs les plus gelés.

Stephen Frears ressuscite avec élégance l’esprit du music-hall des années 1930, à dessein de moquer l’hypocrisie morale de l’Angleterre d’alors. Une pétillante Judi Dench y célèbre la légèreté comme la meilleure forme de résistance à l’adversité.

Portrait d'une plus célèbres poétesses américaines, Emily Dickinson A Quiet Passion est surtout une fiè-vreuse ode à la rébellion aux conventions et aux injonctions.

Après la mort de son père et quinze ans d'absence, Alice revient dans son Yorkshire natal réclamer la ferme familiale, mais son frère s'y oppose...

Mieux qu'un biopic, Colette s'imprègne de l'esprit de la romancière pour exprimer la quête de liberté, amoureuse comme sociale, de toutes les femmes.

Cette chronique joyeuse et enjouée fait le pari fou de ne tenir que sur son personnage principal, la singulière Poppy, aussi charmante qu’agaçante. Le cinéaste Mike Leigh apparaît au meilleur de sa forme avec un dispositif simple mais maîtrisé de bout en bout.

Parce que que ce terrifiant film espagnol prouve la vigueur du cinéma de genre bien au-delà d'Hollywood.

Sorti en 2008, [REC] a fait l’effet d’une petite bombe venue d’Espagne, tant on n’avait pas eu aussi peur depuis longtemps dans une salle de cinéma. Le film a relancé le genre de l’horreur en found footage un an avant le premier Paranormal Activity.

Jaume Balaguero, maître espagnol de l'horreur, frappe à nouveau avec ce thriller fantastique ravivant de sombres légendes.

Parce que le film de Jaume Balaguero, hommage à Fenêtre sur Cour, use du voyeurisme pour que le spectateur questionne tout ce qu'il voit.

De l’histoire vraie d’Aron Ralston, Danny Boyle tire un survival haletant et philosophique. Il plonge James Franco au cœur de la beauté écrasante du désert américain, où l’acteur livre une performance magistrale qui explore le vertige de la solitude.

Pour dépeindre l’éveil à soi d’une adolescence asphyxiée par son éducation puritaine, le cinéaste Joachim Trier opte pour un conte initiatique, ponctué de séquences oscillant entre poésie éthérée et cauchemar intense.

Joachim Trier revient à son premier amour, Oslo, matinant son art de saisir les existences funambules d'une dose d’ironie inédite. Un rôle flamboyant offert à l’actrice Renate Reinsve, prix d'interprétation à Cannes 2021.

Mêlant film d’espionnage et poésie visuelle, Albert Serra livre une singularité vénéneuse et hallucinatoire. Benoît Magimel se noie dans les simulacres pour y déployer tout le magnétisme éthéré de son interprétation, auréolée d’un César en 2023.

Véritable tour de force esthétique, narratif et technique, Le Fils de Saul apporte un peu d’humanité et de lumière au cœur des plus insondables ténèbres. Porté par une mise en scène immersive, le film documente l’horreur sans voyeurisme.

Parce que les deux jeunes acteurs belges qui incarnent les deux réfugiés africains (les rôles principaux ) n'avaient jamais joué la comédie auparavant.

En rupture de tueurs en série et de politiciens corrompus, Rodrigo Sorogoyen aborde ici le versant solaire de sa filmographie. Madre est un drame tour-à-tour puissant et sensible, porté par Marta Nieto, bouleversante de justesse.

Quatre ans de la vie de Karl Marx, recouvrant la période déterminante où il se plongea dans l’écriture du Capital, le livre qui devait bouleverser pour toujours les équilibres politiques.

Fatih Akin arrange avec maestria cette odyssée vengeresse, de son entame brutale et douloureuse aux scènes de procès glaciales et chorégraphiées. Le film ne perd jamais de vue la tempête d’émotions qui agite une déchirante Diane Kruger.

À Sarajevo, une ado en quête d’affirmation révèle avoir couché pour la première fois lors d’un « action ou vérité » entre collégiens.

Pour son premier film, Milena Aboyan suit une jeune kurde déchirée entre sa culture d’origine et la modernité de l’Allemagne dans laquelle elle vit. Et la réalisatrice arménienne cumule virtuosité de mise en scène avec profondeur du propos politique.

Parce que Lazlo Nemes y affirme un peu plus la singularité de son regard et sa volonté de parti pris esthétique.

Le quartier londonien de Somers Town se trouve à deux pas de la gare de Saint Pancras, c'est pourquoi la compagnie Eurostar, qui relie l'Angleterre et la France en train, a participé au financement du film.

Parce que ce premier film, coproduit par Martin Scorsese, a reçu la Caméra d'or en 2021.

Torkild et ses complices se retrouvent en possession de 500 000 dollars appartenant à un malfrat et doivent désormais fuir pour survivre.

Parce que ce film est interprété par de vraies abeilles (pas des images de synthèse!)

La richesse de la vie de Leopardi méritait bien que le cinéma lui rende enfin hommage...

En filmant au plus près des mouvements de sa jeune héroïne, Eva Riley dépasse l’horizon sociologique pour faire de la gymnastique un moteur vital : un corps indocile impose sa pulsation et ouvre sur un véritable élan de liberté.

Parce que derrière ce procès, il y a la vie bien réelle d'un homme.

Chronique des étapes d'une vie, Il Colibri compose le puzzle d'un homme en construction. Une saga existentielle invoquant le meilleur du cinéma italien : aussi dense que doux-amer.

Parce que le premier film de Pilar Palomero fut récompensé de deux Goyas, équivalents espagnols des César.

Parce que

Mia Madre est une méditation bouleversante sur la mortalité. Nanni Moretti l’orchestre comme une subtile partition de rires et de pleurs, louvoyant entre les souvenirs mélancoliques et le tournage comique d’un film comme exorcisme de la réalité.

Parce qu'on y apprend que Mussolini eut lui aussi un fils naturel ( prénom: Benito!)

Plongée dans le huis-clos d’un foyer pour mères adolescentes géré par des religieuses, un film grave et délicat sur le dialogue complexe entre des conceptions de la féminité et du devoir bien différentes.

Alessandro, paranoïaque et épileptique, compte parmi les enfants d'une famille nombreuse que les tares congénitales n'ont pas épargnée. Il nourrit pour son frère Augusto une admiration sans bornes et pour sa soeur Giulia un amour coupable.

Marco Bellocchio, 80 ans, produit un cinéma plus malin que jamais.

L'histoire d'Elena racontée à travers ses amours adolescentes, ses larmes, ses petites révolutions, ses feux de joie sur la plage dans les années 1990...

Fortunata, coiffeuse à domicile, se démène pour élever sa fille convenablement et échapper à un ex-mari brutal. Son rêve ? Ouvrir son propre salon de coiffure.

Parce que ce film italien rend un bel hommage à la télévision française en diffusant un extrait de la légendaire série "Belphégor".

Parce que c'est la première des trois collaborations entre Tilda Swinton et Luca Guadagnino.

Paul Verhoeven dynamite la comédie de mœurs grinçante avec cette œuvre transgressive qui vire au thriller psychologique. Entre ironie mordante et mise en scène chirurgicale, il offre à Isabelle Huppert un rôle de prédatrice sociale inoubliable.

De retour aux Pays-Bas après son exil hollywoodien, Paul Verhoeven retrouve sa verve légendaire en tournant Black Book – la romance entre une résistante juive et un officier SS – dans le style des fresques romanesques d’antan. Fortement subversif.

XIXe siècle, en Allemagne. Une jeune femme contrainte d'accepter un mariage de raison s'éprend d'un officier, mais sa liaison finit par être découverte.

Un caïd gagne peu à peu la confiance d'un souteneur pour le convaincre de participer à des braquages. La compagne du proxénète tente de le raisonner.

Allemagne. Un travailleur immigré grec rejoint un groupe de jeunes gens, suscite de certains hostilité et jalousie, et devient leur souffre-douleur.

Portraitiste acéré des rapports de classe, Rainer Werner Fassbinder décrit la chute d’un couple miné par l’argent. Un film cruel et sarcastique, d’autant plus émouvant que Fassbinder joue lui-même l’amant trop sensible.

Fan des mélodrames hollywoodiens des années 50 par Douglas Sirk (Tout ce que le Ciel permet), Rainer Werner Fassbinder en transpose l’esprit déchirant, mais en Allemagne. L’histoire d’un maraîcher incompris, racontée avec tendresse et lucidité.

Le sommet de la collaboration entre Rainer Werner Fassbinder et Hanna Schygulla produit un mélodrame féministe et politique. Le destin d’une ambitieuse devient une puissante allégorie de l’Allemagne après-guerre.

Dans un futur immédiat, une équipe de chercheurs tente de simuler des événements politiques qui pourraient se produire. Or, le directeur du labo se suicide.

Les doutes de Stiller se confirment quant au suicide du professeur Vollmer. L'équipement sophistiqué que constitue le simulacron pourrait menacer l'humanité.

Rainer Werner Fassbinder adapte sa propre pièce, magnifiant visuellement son huis-clos exclusivement féminin. Une dissection sans merci des passions, de la vérité des sentiments et de l’oppression que l’on accepte par amour.

Rainer Werner Fassbinder fait sa Nuit Américaine à la François Truffaut : un film sur le tournage d’un film, qui mesure tout le prix personnel à payer pour son art. Un captivant portrait de troupe, rêvant d’une utopie du vivre et travailler ensemble.

Rainer Werner Fassbinder transpose en Allemagne la trame du mélo classique hollywoodien Tout ce que le Ciel Permet. Un amour interracial impossible y est le coeur battant du film le plus beau, simple et accessible du cinéaste.

Le Géorgien Veit Helmer signe un poème cinématographique sans paroles, niché dans les montagnes géorgiennes. Une comédie visuelle inventive qui réinvente le burlesque pour filmer une parade amoureuse aérienne d'une grâce aussi cocasse que délicate.

Parce que Sons Of Denmark est un film d’anticipation des années 2010 dont l’histoire démarre pile... en 2025.

Parce que des compagnies japonaises ont refusé de travailler sur les séquences d'animation du film, en raison de sujets (le mal-être adolescent et le suicide) trop sensibles dans leur pays.

En partant du procès qui lui a inspiré sa théorie de La banalité du Mal, Hannah Arendt fait le portrait d'une des plus importantes philosophes du XXe siècle.

Teppo, chef de groupuscule néo-nazi, tombe amoureux de Sari, dont le fils est métis. Cerné par la haine de son milieu, il tente de s'en extraire...

Entre drame social et film noir, Blaga’s Lessons use d’une mise en scène aussi nerveuse qu’incisive pour cartographier le deuil, y situant une lutte viscérale entre l’intime et le politique.

Parce que ce film finlandais aborde un sujet peu traité au cinéma : le polyamour, ou la capacité à avoir plusieurs relations "sérieuses" en même temps.